15 logotipos en la música

Una selección de los mejores diseños de símbolos que, junto con sus bandas, marcaron historia.

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logotipos
Escrito por Claudia Meza

Una banda exitosa no sólo es música. Las artes visuales han compartido territorio con la música perpetuamente, entre ellas hay un vínculo inquebrantable. Aunque la estética de una banda musical puede ser debatible por gustos personales, en términos de diseño han existido logotipos tan exitosos que permanecen a través de los años, con una popularidad que los ha hecho posicionarse en todo el mundo. Incluso, en generaciones que no están familiarizadas con los grupos.

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Acompaña a la banda a lo largo de su historia, en shows en vivo, habita en las portadas de los álbumes y se dibuja en inimaginables posibilidades de memorabilia, desarrollando un concepto completo o estilo de vida. Un buen trabajo de logotipo para una banda es el estandarte ideal para expresar su ideología, presentarse en la vida diaria y pasar a la historia.

Te presentamos una selección de 15 logotipos, que por su desarrollo, expresividad, impacto o simplicidad, son nuestros favoritos.

Yes

Diseñado por Roger Dean, diseñador gráfico inglés, quién también está detrás de las creaciones del arte para muchas de las portadas de la banda que definió al rock progresivo. Los virtuosos ingleses en sus primeros trabajos de estudio habían estado utilizando una geometría muy rígida para su logotipo, y en Fragile (1972) empezaron a explorar el estilo tipográfico en el arte de su portada.

Caracteres con ángulos curvos en un juego que los entrelaza, anunciaban una renovación de su iconografía. A partir de su siguiente álbum lanzado el mismo año, Close to the Edge, aparece el sinuoso símbolo en la portada.

Su continuidad infinita, formas y colores, capturan la atención del ojo y remiten al estilo musical de la banda, así como a la psicodelia, tendencia visual fuertemente establecida en los años setenta. El dinamismo de éste logotipo, tan expresivo, y su constante experimentación con degradados y texturas, mantienen a este símbolo fresco y actual. Sigue siendo uno de los favoritos para usar en camisetas.

 

Judas Priest

Obra del pintor, fotógrafo y diseñador polaco Rosław Szaybo, autor de varias portadas de la banda como Sin After Sin (1977), Killing Machine (1978) y British Steel (1980) –en la que aparece su mano sosteniendo la navaja–, entre otras. El logotipo de esta banda de heavy metal estaba en sus inicios representado por tipografía gótica, lo que entonces era adecuado para sus tintes de gothic doom.

A partir de 1978 este concepto gráfico se ajustó a su sonido, haciendo referencias a las luces, velocidad, fuego y ciencia ficción; prácticamente desde ese momento no ha tenido cambios en su esencia. El puente que se origina entre las letras J y T crea un símbolo integrado, fácil de recordar y estable.

El famoso logotipo cuenta con un sitio web oficial en el que es posible personalizar tu nombre al estilo de Judas Priest y descargarlo en alta resolución.

 

Justice

El dúo electrónico formado por Gaspard Augé y Xavier De Rosnay, diseñadores gráficos de profesión, no podía permitirse tener un logotipo de bajo impacto. Su álbum debut se nombró como:   (Cross, 2007), gracias a que en él, mientras bocetaban el logotipo, surgió la idea de apropiarse del símbolo universal de la cruz, a partir de la letra T que es el centro de la palabra “Justice”.

La cruz con un nuevo significado se convierte en su potente símbolo que se ha mantenido presente de formas muy creativas en todos los trabajos visuales de la agrupación francesa.

 

Foo Fighters

Probablemente la simplicidad es una de las jugadas mas acertadas al momento de desarrollar un logotipo. La banda liderada por el exbaterista de la aclamada banda de grunge, Nirvana, conserva prácticamente desde sus inicios, las iniciales de la agrupación como logotipo.

Gracias a There is Nothing Left to Lose (1999), habrá decenas de fanáticos en el mundo que ya lo tendrán tatuado en sus cuellos. Sin embargo, en Concrete and Gold (2017), la banda lanzó uno nuevo, también con las iniciales, pero con un concepto completamente diferente, marcando así un novedoso comienzo para la banda.

Diseñado por Dan Hadley, el rediseño provocó el disgusto de muchos fans que los siguen desde sus inicios (lo sentimos por aquellos que se lo hicieron el tatuaje). Sin embargo, más allá de la cuestión de gustos, en el gráfico actual, al integrar las dos letras en un elemento tipo bloque, se le aporta el dinamismo que estaba ausente en la versión previa. Así mismo, ha sido utilizado de manera muy dinámica en sus visuales para sus presentaciones.

 

Van Halen

La icónica banda que marcó época y redefinió al hard rock en 1978, debutó con un poderoso álbum homónimo, que se hacía acompañar por un trabajo de diseño de logotipo y portada muy destacados, pero no estaba planeado de esa forma.

La compañía discográfica de la banda de Eddie Van Halen, en ese entonces había planeado previamente un logotipo que no fue del agrado de ninguno de los integrantes, especialmente porque no sentían que el diseño estuviera relacionado a su música; parecía pertenecer a otro género como el punk rock.

Dave Bhang, el desarrollador del actual emblema, presentó las iniciales de la banda con unas alas, coloreadas en tonos metálicos, mismo que posteriormente perdió sus alas para convertirse en una figura de anillos al integrarse Sammy Hagar. Más tarde se volvió al logotipo original de las alas. Si observamos el logotipo de Weezer, no queda duda que fue evidentemente diseñado “bajo inspiración” de este símbolo.

 

The Rolling Stones

La emblemática lengua no podría pasar desapercibida en esta selección, y las razones son obvias. El encanto que ha adquirido lo hace encontrarla tanto en patrones gigantes en las pantallas de auditorios multitudinarios, hasta cotidianamente en ropa interior o en stickers decorando las paredes del transporte público.

Probablemente es uno de los símbolos que ha cruzado todas las fronteras posibles, reconocido ya como uno de los símbolos del rock a nivel mundial, volviéndose tan grande como la banda lo es. Nació junto con el álbum Sticky Fingers (1971), portada diseñada por el reconocido artista visual y amigo cercano a la banda, Andy Warhol; cuestión que durante años ha generado confusión y se le ha atribuido a este último la autoría del símbolo.

El verdadero realizador del emblema fue el londinense John Pasche, estudiante de diseño gráfico en ese entonces. Es sabido que su inspiración principal provino de la boca de Jagger y el fuerte lado femenino que transmitía. Se dice que la comisión inicial por este trabajo fue de £50, después de haberlo entregado a la banda Pasche recibió un bono por £200, la banda estaba complacida. Entendemos perfecto el por qué.

Black Flag

Rumores afirman que Dave Grohl intentó tatuarse este símbolo en el brazo izquierdo cuando tenía 12 años, pero se rindió al dolor después de la tercer barra (tal vez no era tan punk después de todo). Raymond Pettibon, hermano de Greg Ginn, líder de la banda de hardcore punk, fue el autor de este gráfico.

La intención de su diseño fue hacer literalmente una bandera que los representara como una “nación”, en la que sus habitantes comparten ferozmente la ira e indignación adolescente, motivados por las ideologías contra los principios religiosos, políticos y sociales de los años ochenta.

Las cuatro barras han estado presentes desde su álbum debut, Damaged (1981), su bella simplicidad y el potente discurso de la banda son la combinación perfecta para llegar a las masas y ser más allá que un simple logotipo, si no una insignia social.

 

Queen

No se puede hablar de logotipos de la música sin hacer mención de este grupo miembro de la realeza musical. La inquieta y creativa mente de su líder, Freddie Mercury, diseñó un escudo representativo que le daría imagen a la agrupación durante toda su carrera. Mientras se encontraba estudiando diseño gráfico desarrolló la identidad que consideraba estaba a la altura de sus pretensiones musicales.

Dibujó su interpretación de una corona real e incorporó a los cuatro miembros de la banda con sus signos zodiacales: Brian May representado por un cangrejo, dos leones para John Deacon y Roger Taylor, mientras él mismo se simbolizó con dos hadas –él les otorgaba relación con su signo, virgo.

El acaudalado escudo es abrazado por un ave fénix, animal mitológico con poderosas connotaciones sobre la resiliencia y renovación. Aunque el símbolo en sí por sus características no formó parte propiamente de las portadas de sus álbumes, sí fue parte importante de su iconografía, establecida y reconocida por sus millones de fans.

 

Daft Punk

Diseñado por uno de los miembros del dúo francés, Guy-Manuel de Homem-Christo, este logotipo fue inspirado por los parches bordados que solían usar las bandas punk. Lo que destaca en este trabajo han sido sus constantes y finas adaptaciones a distintas estéticas, como en estado líquido en mercurio (Discovery, 2001), apareciendo en una pantalla de TV (Human After All, 2005), o en un esténcil  de graffiti (Alive, 1997), conservando sus atributos.

Este símbolo con tan amplia versatilidad es parte fundamental del concepto que los franceses tienen para su proyecto, donde la música y la imagen son las estrellas, mientras ellos permanecen en un bajo perfil como miembros “incógnitos”.

 

The Who

Algunos logotipos no aparecen en las portadas de los álbumes de las bandas y aún así, se arraigan firmemente ella y a su concepto para siempre. Tal es el caso de la banda británica The Who, su reconocido emblema apareció por primera vez en un póster promocionando su show en el club Marquee de Londres, y posteriormente estuvo presente acompañándolos en sus presentaciones en la batería de Keith Moon hasta su muerte en 1978.

Los símbolos tipo tiro al blanco con los colores de la bandera británica son la base sobre la que descansa la tipografía diseñada por el artista Brian Pike, en donde la letra “O” eleva una flecha que representa masculinidad y la unión de las dos “H” manifiesta la unión. Este diseño por su composición, es uno de los más gustados para usarse en objetos como pines, stickers, botones y parches.

 

Nine Inch Nails

En la historia de la música hay pocos logotipos que con simplicidad comunican lo suficiente, y además permanecen. La primera vez que este símbolo apareció, fue en el video para “Down in It”, el primer sencillo de su álbum debut Pretty Hate Machine (1989), donde sutilmente se hace visible entre muchas imágenes con un efecto tipo glitch. Diseñado por Trent Reznor y Gary Talpas quien solía ser el director creativo de la agrupación en ese momento.

La tipografía está inspirada en la usada para la portada de Remain in Light (1980) de Talking Heads, donde las letras “A” aparecen invertidas. El sello clásico de Nine Inch Nails no se ha alterado desde su creación, conserva su vigencia y aparece en todo su arte. Es importante agregar que esta banda siempre se ha destacado por tener una muy bien cuidada dirección artística.

Ghost

La melodiosa banda de hard rock sueco tiene uno de los artes y logotipos más llamativos de la última década. Su devoto culto se acompaña de bellas ilustraciones estilo sacro, rematadas con un logotipo inspirado en la caligrafía de los escribanos antiguos, con una cruz invertida que es parte de toda su iconografía religiosa.

Este símbolo, a diferencia de la gran mayoría de las bandas actuales, ha permanecido y ha echado raíces rápidamente con su público. Rumores hablan sobre que su líder y vocalista, Tobias Forge, antes conocido como el Papa Emeritus, fue el creador de este emblema, y que supuestamente llegó a él bocetando en una libreta mientras trabajaba en un call center antes de formar la banda.

 

Anthrax

La legendaria banda de speed metal tiene uno de los logotipos más reconocidos alrededor del mundo. Fue diseñado por su guitarrista Dan Alan Spitz. El juego entre sus distintos caracteres hace que se unifiquen entre sí formando un ícono sólido, cargado de personalidad, que refleja según sus integrantes, mucho de lo que Anthrax busca comunicar. A través de los años ha sufrido adaptaciones en color, texturas o hasta volumen, sin alterar la composición general del mismo.

Este logo se complementa con un gráfico tipo pentagrama, llamado Pentanthrax, el cual conserva el estilo de trazos y ángulos que el logotipo tipográfico, funcionando como protagonista en las portadas de sus producciones lanzadas en este milenio.

 

Kiss

Uno de los shows más aclamados a nivel mundial, es siempre adornado con este gigantesco emblema brillando al ritmo de la guitarra de Paul Stanley, con luces o con fuego y pirotecnia. Ace Frehley, entonces guitarrista del cuarteto, lo diseñó para el lanzamiento de Hotter Than Hell (1973) y su impacto demostró que llegó para quedarse.

Las dos letras “S” fueron interpretadas por muchos como simbolismo nazi, así que se convirtió en una de las muchas controversias en las que frecuentemente se encontraban inmersos. Ante esto Frehley ha declarado que la intención de la forma de esas dos letras era simplemente que imitaran rayos de luz. Indudablemente es uno de los logotipos del rock mejor posicionados del mundo, y la banda experta en teatralidad y mercadotecnia ha sabido aprovecharlo al máximo.

 

The Killers

En el 2004, “Somebody Told Me”, “Smile Like You Mean It” y “Mr. Brightside” se escuchaban en todas las fiestas, se apropiaron de las listas de popularidad y de nuestros reproductores de MP3. Hot Fuss, el álbum con el que la agrupación hizo su debut, apareció con un llamativo logo que atrapó las miradas y hacía excelente match con el glamouroso rock pop de sus temas.

Recordándonos a las marquesinas de Las Vegas, los oriundos de esa ciudad nos presentaron este logotipo que años después continúan utilizando en formato gigante y lleno de luz, muy a su favor en sus excelentes shows. Este gráfico es un ejemplo que comprueba que un buen trabajo de diseño desafía al paso del tiempo.

 

 

 

 

 

 

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