Los mejores álbumes para escuchar en cuarentena

Seleccionamos algunos discos para hacer más llevadero tu tiempo en casa.

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Los mejores álbumes

El Staff de Rolling Stone México también se encuentra en confinamiento, y curó una lista de las mejores producciones para escuchar durante la cuarentena ocasionada por el brote del COVID-19. Mientras pasamos el tiempo en casa cumpliendo con las labores cotidianas, no está mal escuchar algo para endulzar el oído. Desde Sting y Jeff Buckley, hasta Harry Styles y Lady Gaga, presentamos nuestra lista de álbumes para disfrutar durante el aislamiento.

Bring on the Night

Sting
1986
Un LP doble que captura los mejores instantes en vivo –durante una gira de 1985– con energía y vibra que inyectan vitalidad en estos momentos de encierro. Después de haber pertenecido a la legendaria banda The Police, Sting lanzó The Dream of the Blue Turtles (1985) como debut solista y posteriormente este álbum doble. En 13 canciones recorre algunas melodías de The Police como de su disco en solitario. Lo atractivo es la magistral interpretación de cada tema, otorgando versiones únicas llenas de jazz, rock y pop. La banda que lo acompaña refuerza su talento: Darryl Jones (bajo), Branford Marsalis (sax, clarinete, percusiones), Kenny Kirkland (teclado), Omar Hakim (batería), Janice Pendarvis (coros) y Dolette McDonald (coros). Destaca el tema abridor “Bring On the Night/ When the World Is Running Down, You Make the Best of What's Still Around”, que con más de 11 minutos de duración nos engancha por la facilidad en que sus melodías, ritmo, instrumentos, pasión y voces, se entrelazan. Bring on the Night es un agasajo auditivo para estos momentos en los que necesitamos mucha música para transportarnos a grandes espacios.—Álex Carranco, Editor en Jefe.

Grace

Jeff Buckley
1994
El 23 de agosto de 1994, Jeff Buckley lanzó su primer –y único– álbum de estudio, Grace. Tres años después del estreno, falleció. Sin embargo, este legado se mantiene como una de las más grandes obras en la historia de la música. En la década de los noventa, una era en donde reinaba el grunge, el trabajo impecable de Buckley se asomó con tintes de folk, jazz y rock. Pronto se convirtió en una obra maestra; un álbum impecable, sentimental, crudo y poderoso. Una de las mejores voces de todos los tiempos. Siempre es buena idea revisitar este disco que dice tanto, en tan sólo 11 canciones.—Michelle Angell, Digital Manager.

 

Fine Line

Harry Styles
2019
El joven inglés que nos sigue sorprendiendo gratamente, cerró la década pasada con un álbum cargado de los matices de un corazón roto, acompañado de un destacado trabajo de producción. Con acertados acentos a clásicos como The Beatles, Pink Floyd y David Bowie, Fine Line te transporta a distintos escenarios sonoros, fluyendo con naturalidad en un estilo claramente honesto y lejos de las pretensiones, algo poco usual entre la mayoría de las producciones juveniles de los últimos años. La versatilidad de Styles en este trabajo, lo hace ideal para una escucha relajada en estos días, sumergirse en sus distintos géneros y apreciar cada pequeño detalle de sus 12 temas, que si bien son de amor, no son solamente pura azúcar para empalagar. Un álbum colorido y tan fácil de llevar, que no te podrás sacar de la mente y se convertirá en tu compañero favorito para salir de la monotonía.—Claudia Meza, Jefa de Diseño.

The Fame Monster

Lady Gaga
2009
La idea era lanzar una nueva edición de su álbum debut, The Fame; al final, resultó un disco acerca del lado oscuro de la fama, y el contenido lírico se basó en los temores de Gaga. Son los primeros éxitos de la intérprete, los cuales te enganchan a querer escuchar más de ella. —Beatríz Rodríguez, Administradora.

 

 

 

KIWANUKA

Michael Kiwanuka
2019
Los dos primeros álbumes de Michael Kiwanuka —que lo establecieron como una de las voces del soul más interesantes de nuestros tiempos—no eran fáciles de superar, con KIWANUKA, el artista londinense lo logró. El músico reflexiona sobre sus batallas internas, pero también sobre las de la sociedad actual, las letras pasan por el racismo o los tiroteos perpetrados por policías a la sociedad estadounidense. En un mundo inundado por reproducciones de streaming, llega un disco pensado para escucharse en una sola sentada, (por lo que es perfecto para estos tiempos de aislamiento social). Para Kiwanuka, esta es una reacción al paso apresurado que lleva el mundo actualmente. —Pablo Monroy, Coordinador Digital.

 

Blossom

Milky Chance
2017
El segundo disco del dúo alemán de folk electrónico combina los estilos que inspiraron al multinstrumentalista Philipp Dausch y al vocalista Clemens Rehbein a lo largo de su adolescencia: soul, jazz, dance y house. La portada del álbum representa la unión de diferentes químicos bajo un microscopio, creando algo nuevo. “Estamos atrapados entre la música de dos generaciones diferentes”, comentaron en una entrevista en BUILD series. “(La música) te puede enseñar dónde están las emociones y qué necesitas expresar”. “(Los músicos) cargamos con la misma melancolía, que nos mantiene buscando. Nos demanda a hacer más música, una y otra vez”. Blossom, dividido entre letras motivadoras, románticas y tristes (que pueden ser fácilmente identificables dentro de la situación mundial actual) mantiene un ritmo upbeat poco común en la escena musical alemana. El álbum que prosiguió a su exitoso sencillo “Stolen Dance”, se presentó en festivales como Coachella y Lollapalooza, y en la Ciudad de México dentro de El Plaza Condesa en el 2018. Milky Chance volvería a México en el Festival Pal Norte 2020. —Sofía Salazar, Colaboradora.

Circles

Mac Miller
2020
Circles me ha acompañado en la pandemia como el gel antibacterial. “Wake up to the moon/Haven’t seen the sun in a while but I heard that the sky still blue”, Una línea que ilustra perfectamente lo que se siente estar confinado. Me imagino a Mac Miller encerrado en su propia cabeza escribiendo los que iban a ser sus últimos pensamientos, y es como un balde de agua fría. El álbum póstumo, producido por Jon Brion a petición de la familia, llegó a principio de año como un mensaje del mas allá. ¡Qué letras! La música es excelente, muy R&B y relajada, donde Mac canta mucho más y hace menos raps, pero eso no le resta carga a las letras, que caen como yunques en perspectiva. “All I ever needed was somebody with some reason who could keep me sane”, esa línea de "Hand Me Downs" te llega al corazón. En tiempos aciagos y de incertidumbre como estos, es importante que te acompañe la razón, no importa si viene encarnada en una persona o en un disco. Y conforme se reproducen las canciones lo entiendo más y más: hay que estar en paz con el pasado, dejar los patrones dañinos atrás, aprender a estar en el presente porque en cualquier día podrías contagiarte de COVID, o sufrir una sobredosis accidental. En fin, Mac Miller nos dejó demasiado pronto pero también dejó mucho en qué pensar, ahora que hay tiempo.—Andrea Gonar, Fotógrafa.

love is not dying

Jeremy Zucker
2020
Recuerdo perfectamente que, cuando lo descubrí hace tres años, Jeremy Zucker apenas había lanzado su tercer EP, Motions, semanas atrás. Desde entonces, he estado pendiente de su trayectoria y lo he apoyado en su entrega de cinco EPs más, incluyendo uno acústico y uno colaborativo con Chelsea Cutler, en los que resalta el sonido que tanto caracteriza al artista neojerseíta: una mezcla sónica que recopila elementos del lo-fi y el indie pop. Sin embargo, me sorprendió bastante cómo Zucker se desafía a sí mismo con el reciente estreno de love is not dying, su álbum debut. Con esto no solo me refiero a la producción, que destaca por su meticulosidad, sino también a la cohesión que todo el cuerpo de arte tiene. Su álbum funge como un cálido monólogo introspectivo en el que abarca temas como las relaciones amorosas, el rencor y la salud mental. Ver el espectrograma de todo el disco, el cual Zucker compartió en YouTube para completar la experiencia de sus espectadores, ha sido definitivamente una de mis actividades favoritas durante la cuarentena. —Julian Afanador, Colaborador.

Songs in the Key of Life

Stevie Wonder
1976
Desde el título del álbum hasta la sinceridad de las letras, los detalles hacen de este el disco para escuchar durante momentos de crisis. Stevie Wonder “tomó toda su experiencia de vida, y la puso en Songs in the Key of Life”, según Barry Gordey, fundador de Motown, la disquera con la que Wonder firmó un contrato a los 11 años. Con temas icónicos de la carrera de Wonder como, “Sir Duke”, “Isn’t She Lovely” y “I Wish”, la decimoctava y ambiciosa producción discográfica del músico fue creada —casi— en su totalidad por él mismo; tan solo cuatro de 21 tracks del LP acreditan a otras personas además del intérprete. Songs in the Key of Life es una fusión de jazz, funk, R&B, pop y soul, encuadernada por la irremplazable voz de Wonder. En un mundo donde reina la incertidumbre, la diversidad será la clave para salir adelante. En las palabras de Stevie, “el hecho de que un hombre carezca del uso de sus ojos no significa que carezca de visión”. —Alejandra Pérez, Colaboradora.

BACH

Bandalos Chinos
2018
Esta agrupación originaria de Argentina llegó a mí por accidente, pero fue de lo mejor que me pudo pasar. Su disco BACH es una joya en cada track, llevados de la mano del productor Adán Jodorowsky, Bandalos es una de las bandas que están proponiendo música de calidad en Latinoamérica, letras que vuelves propias y música fresca que te hace bailar en automático. “Demasiado” es el tema por el que vale todo este disco.—Chucho Contreras, Fotógrafo.


Recto Verso

Paradis
2016
Recto Verso se estrenó en septiembre de 2016 y fue encasillado como un disco de house, pero definitivamente, Paradis fue más allá y creó una obra única en su especie.
Con tan sólo un álbum de larga duración, Paradis logró trascender las fronteras del idioma y llevar a todo el mundo un sonido embriagante y seductor. La dupla conformada por Simon Mény y Pierre Rousseau conduce un viaje a través de su universo; un universo que te invita a darte un respiro de la caótica realidad. El proyecto Paradis finalizó en 2017, pero el dúo francés continúa en la memoria de los miles de seguidores que se vieron seducidos por sus elegantes melodías.—Uriel Monterrubio, Colaborador.

Golden Hour

Kacey Musgraves
2018
Golden Hour, ganador del premio Grammy al Álbum del Año en 2019 es el cuarto disco de Kacey Musgraves. En este, la artista country representa su cambio de perspectiva, y la madurez, creatividad y magia que lleva dentro. Aunque el título lleva el nombre de su ciudad de nacimiento, Golden, Texas, la artista eligió llamarlo Golden Hour por “la belleza a su alrededor” y el sentimiento de calidez, felicidad y amor que representa. El álbum que ella describe como “country galáctico” fue grabado en el estudio de Sheryl Crow, que es, en realidad un establo de caballos. La artista confesó que las 13 canciones en el LP, coescritas y coproducidas por Ian Fitchuk y Daniel Tashian, son producto de las experiencias que vivió ese año, incluyendo su boda. “Es una colección de canciones que representan un cambio hermoso y positivo en mi vida, con conocer a la persona adecuada y casarme. Pero también hay otros aspectos de las canciones que representan otras facetas de la vida que igual me inspiran”, confesó Musgraves, “el extrañar a mi familia, averiguar qué hacer con un horario de giras y volver a casa sin ver a mis amigos. Hay irreverencia y actitud en 'High Horse' sobre un cierto personaje que todos conocemos. Y está 'Rainbow', que le habla a cualquiera que tenga algún tipo de peso sobre sus hombros”. Desde los sonidos acústicos de "Slow Burn" y la simplicidad del piano en "Rainbow", hasta la íntima y emocional “Space Cowboy”, el disco logra incluir una variedad de géneros y exploración de sonidos que jamás se han escuchado en un álbum country. Con Golden Hour, Kacey Musgraves, ha logrado crear sus propias reglas y evolucionar el sonido tradicional del country, tocando temas controversiales como la marihuana, el feminismo y los derechos LGBT.—Viviana Hernández, Colaboradora.

Ghost Stories

Coldplay
2014
El sexto álbum de Coldplay puede haber pasado desapercibido para muchos en el mundo de la música, pero es el disco más introspectivo y vulnerable de Chris Martin y compañía. Tras vivir una época difícil después de terminar su relación amorosa, Martin comenzó a escribir canciones con letras de desamor y con un estilo ambiental melancólico, que si bien no estaban hechas para una gira mundial, el grupo las presentó en recintos pequeños para poder transmitir la esencia del disco. El LP se mantuvo en un perfil más bajo que sus predecesores, a excepción del sencillo “A Sky Full of Stars”, producido en conjunto con el DJ Avicii. Ghost Stories reveló un lado más oscuro de Coldplay, con temas como “Always In My Head” y “Another’s Arms”. El material significa mucho para los integrantes de la banda, ya que fue un periodo en el que se sintieron más unidos y arroparon a Chris Martin como nunca, y pusieron en práctica una serie de elementos y efectos que aprendieron en álbumes anteriores con el productor Brian Eno, y regresaron a sus raíces en su manera de componer música. Coldplay intercambió la música colorida y animada para estadios, por un estilo íntimo y desgarrador al mismo tiempo.—Andrés Giménez-Valdés Páramo, Colaborador.

 

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